Morphing Biotech Robot Attack: Add N To (X)
x Amadeo Gandolfo
x Amadeo Gandolfo
Ann: No sigan nuestros pasos, de ningún modo. Solo consigan cosas (stuff) y hagan cosas (things).
Stephen: Consigan cosas y hagan cosas, y súbanle el volumen.
(2001)
Entre el 94 y el 2002 hubo en la escena mundial musical una banda que se animó a construirse como una especie de mecha biónico, a brillar con mas intensidad que nadie, a soñar con llevarse por delante todo: sus fans, la escena musical, sus propios teclados, las preconcepciones sobre la música, absolutamente todo a fuerza de pura innovación, movimiento y tecnología.
Una banda extraña, híbrida, nómada. Formada en Londres con miembros cuyas únicas cosas en eran su curiosidad insaciable y su fascinación por los viejos y golpeados instrumentos electrónicos. Ann Shenton es una de esas mujeres que solo de vez en cuando da la música: una experimentadora incansable, que aborrece cualquier rasgo de rutina. Yo me enamoraría completamente de ella, aunque esté un poco pasada de peso y su brazo derecho haya sido reemplazado por una prótesis robótica. Barry Smith era el Dj residente, con una predilección por destruir equipos en el escenario. Su curriculum incluye pasar música en una radio pirata de Praga llamada Radio Stalin. Steve Claydon, el elemento final, es un experto en Theremin que luego de la disolución de la banda demostró su capacidad transformer y se reconvirtió en artista plástico.
Una banda que refulgió, como las mejores leyendas, como los verdaderos salvajes que se adentran en la jungla para cercenar nuevo territorio, durante unos cuantos años, casi ignorada. Disueltos en el 2003, en medio de una orgía de chispazos y cables pelados (se supone que Ann Shenton se cansó de las giras para “Loud Like Nature” y, según quien cuenta la historia, abandonó el grupo o fue expulsada en la mitad de Norteamérica. Se quedaría a vivir en Idaho y se uniría a una banda de motociclistas).
Y ahora sus discos descansan en lugares olvidados, en servidores de Internet y depósitos polvorientos y/o humedecidos de disquerias de segunda mano, en alcantarillas y huecos. Encerrando la visión del futuro que tenia este trío de lunáticos cuidadosamente, para que las generaciones futuras los descubran y hablen de ellos al lado de cosas como Suicide o Throbbing Gristle. Pero no hace falta esperar tanto, acá hay algunos motivos para ponerse los auriculares y salir a caminar por ciudades decadentes escuchando Add N To (X)
Solía tomar heroína y cocaína para el desayuno, ahora prefiero un capitulo de un libro y un te. No soy una puritana bajo ningún concepto, solo creo que uno se cansa de la misma vieja rutina, los consumidores de drogas están asqueados por la norma pero después aceptan otra normalidad que involucra el consumo de drogas.
Ann Shenton, 2003.
Si hay algo que sorprende una vez que te has abandonado a la religión de Add N To (X) y descubierto los placeres de la comunión robótica, es su versatilidad y capacidad para el cambio. La tecnología misma requiere del cambio, de la modificación constante para mantenerse a la vanguardia, para prometernos siempre futuros más brillantes, objetos más caros y preciosos para comprar, utopías aun más perfectas. Pero también la teoría de la evolución es una especie de programa de update de la naturaleza. Mucho mas lento y complejo, pero por ello al mismo tiempo mas equilibrado y (valga la redundancia) orgánico.
Es curioso que Add N To (X) se pueda insertar en esas tradiciones orgullosas y deformarlas tan completamente, burlarse del hecho de que ya, a finales del siglo XX, la humanidad no cree ni en la perfectibilidad de la ciencia ni en la perfectibilidad de la naturaleza. Que encima parece estar en nuestra contra. Desarrollan una especie mutante del progreso, de la evolución, una versión moderna del Frankenstein de Mary Shelley (que es la primera novela que intenta mezclar los temas del progreso científico y técnico y la modificación orgánica).
Cualquiera que se tope con los experimentos entre ruidosos y minimalistas de “Vero Electronics” se sorprendería de escuchar luego “Loud Like Nature” y sus combinación de pop marcial y ruidismo melódico. Y todo en el corto periodo de 6 años, con cada disco intermedio un paso frenético pero al mismo tiempo meditado, esquizofrénico pero completamente sano, en esa evolución. En el 2002 Las Personas Encargadas De Las Etiquetas podían meter a Add N To (X) en la bolsa del “electroclash” o similar, pero el trío se reía y sabía mas. Sabía que esa imagen que el electroclash quería proyectar era puro conservadurismo, ideas decadentes de un futuro en el que los propios seres humanos se convertirían en muñecos maquillados y perfumados. Todos seremos hermosos al costo de nuestra propia humanidad y de nuestro sentido estético, parecían decir.
Ann, Steve y Barry querían algo diferente. Querían algo del pasado, claro. Nada surge por generación espontánea y obviamente que contaban con héroes, influencias, antecesores. “Vero Electronics” y “On The Wires Of Our Nerves” tienen trazos de aquellos primeros héroes de la electrónica, desde Bruce Haack hasta Wendy Carlos, pasando por Suicide, Cabaret Voltaire o Throbbing Gristle. Gente que entendía que, si el futuro era de las maquinas, lo mínimo que podíamos hacer era pervertirlas, invadirlas con nuestra carne, mezclarnos con ellas en comunión cibernética y distorsionarlas hasta que sean una réplica de nosotros, de nuestros canceres y ansiedades, de nuestras ciudades polucionadas y nuestras casas automatizadas.
Lo que ellos veían era un futuro en que las maquinas, en realidad, serían solo extensiones grotescas de nuestra carne. Lo cual los emparenta con aquel gran profeta del siglo XX: J.G. Ballard.
Y con cada disco que pasa, lo curioso de la evolución es que la carne se impone a la maquina. Contrariamente a las ideas del progreso técnico y la ciencia ficción, en las cuales los robots reemplazarían finalmente a los seres humanos. Add N To (X) parece proponer lo contrario: que los robots van a terminar pervirtiéndose y volviéndose iguales o peores que sus maestros.
El lema de los primeros discos parece ser “Repetición, Repetición, Repetición” y están construidos alrededor de sonidos extraterrestres, cacofónicos, similares a los primeros chillidos de una inteligencia artificial que nace e intenta hablar. Ya en “On The Wires Of Our Nerves” se observa la exhuberancia y la despreocupación de un niño, el correr de un pequeño muchacho robot con gorra azul y enterito, que todo lo que quiere hacer es jugar CyberBall.
“Avant Hard” es el disco extraño de la adolescencia. Una muchacha robot tan bonita, con la cobertura de metal mas brillante y límpida de todo el complejo energético, tanto que no podes evitar enamorarte. Y que también tiene un sentido del humor y es aventurera. Una canción como “Skills” con sus teclados juguetones, parece la banda de sonido para una comedia adolescente en un mundo futuro. Lo mejor de todo el asunto, sin embargo, llega cuando la muchacha descubre, finalmente, el sexo. ¿Cómo explicar sino una canción como “Metal Fingers In My Body”?. Una oda al descontrol cibernético y a la lujuria con aparatos. No es una canción que se pueda bailar, no es una canción sensual, es sencillamente la libido desencadenada, la repetición como martillo neumático del sexo, la carne como pistón. Existe un sitio de internet que ofrece videos porno llamado “Fucking Machines”. Los videos son muy particulares: mujeres siendo penetradas por máquinas: enormes consoladores, artefactos con leves movimientos generados por las propias mujeres, gigantescas máquinas penetradoras que hacen ruido similar a una cortadora de pasto. Si los miembros de Add N To (X) conocen de su existencia, seguro sonríen (y la sonrisa se tuerce en una mueca).
“Add Insult To Injury” parece ser la decadencia de los primeros años de la juventud. Promiscuidad, fiestas y momentos vagamente ominosos son los que dominan el disco. Famoso por tener el tema “Plug Me In”, un casi hit obscurecido por su video: en el se ven a dos chicas muy hermosas jugueteando con múltiples consoladores. Como dijo alguna vez Steve Claydon: “No hay nada robótico o estéril acerca de Add N To (X). La música es un monstruo de Frankenstein de componentes esquizofrénicos imitando / parodiando los rasgos mas desagradables de la naturaleza”. Mi tema favorito siempre fue “Monster Bobby”, una especie de sing along borracho entre jukeboxes fallados. Una batería casi marcial y un coro indistinto (podrían ser borrachos de bar o hinchas de fútbol) marcan el ritmo sobre el cual se recortan voces con vocoder, arengas de voces desganadas para que cantes, silbidos y palmas. ¡Para que no se acabe el ácido de batería y la fiesta siga por siempre!.
Finalmente, “Loud Like Nature” es el disco de las épocas más oscuras. Es un disco decididamente sacado, cocainómano, frenético. Un disco hasta insoportable en su arrogancia, en su confianza absoluta en ser los mejores en lo que hacen. Y lo que hacen es meter ruido.
Porque ya a esta altura los Add N To (X) parecen haber entrado en su etapa pandillera. Un montón de gamberros que no tienen nada mejor que hacer que emborracharse interminablemente, tomar todo tipo de drogas y languidecer eternamente con el seguro de desempleo pagándoles la comida. Y como todo buen disco hedonista, le encanta regodearse en su barro. Canciones como “Sheez Mine” o “Large Number” son tan límpidas y precisas en su mugre, en su glorificación del oxido que les sale por entre las juntas, que se vuelven irresistibles. Aquello descubierto en “Avant Hard” que venia desarrollándose desde aquellas precisiones neumáticas de “Metal Fingers In My Body”, se refina: la potencia y la contundencia avasalladora de Add N To (X).
Si Add N To (X) fuese un mecha, un robot gigante de anime, seguramente sería una bestia salvaje que pisaría todo Neo Tokyo persiguiendo a aquel monstruo gigante de siete ojos. Aquellos primeros ruidos espaciales que perturbaban en “Vero Electronics” ahora son magnificas baterías tocadas por soldaditos de plomo (en realidad, casi todas las baterías son grabadas de verdad, no producto de máquinas), sonidos de sintetizador que recuerdan alternativamente el llamado de apareamiento de un dinosaurio o rayos láser marcianos y voces hermosamente llamativas, estrellas de Hollywood con estabilizadores de tensión en cada pecho.
Steve: La gente tiene que estar apropiadamente enchufada. Tienen que estar listos para nosotros. Tienen que estar borrachos. Tan arriba como nosotros. No vamos a tocar para gente que solo quieren sentarse y escuchar y charlar con sus amigos.
Ann: (…) Me gusta la estética punk de ir a ver a una banda y volarme la cabeza, que es lo que yo solía hacer. Todos solíamos hacer eso.
(2001)
En el pico de sus talentos, quizás entre “Avant Hard” y “Add Insult To Injury”, Add N To (X) debe haber sido una de las mejores bandas para ver en vivo del planeta. Yo solo me imagino a ellos tres, en escenarios miserables de pubs en ciudades de mala muerte, cada uno con una pila de equipos a su lado, arriba, entre las piernas. Completamente sacados. Quizás hasta vomitando en su baterista. Y abajo, un montón de gente tan sacada como ellos, quizás vomitando en sus novias.
La gente se mueve entre los cables de los equipos y chocan contra los miembros de la banda, se chocan entre sí, se mezclan como una masa de carne. Ann, Steve y Barry tocan perillas, se dan pequeños choques eléctricos, pisan pedales como si fuesen parte de su propio cuerpo, sudan y cantan. Las ondas sónicas de los sintetizadores y el machacar maniático de las baterías rebota en las paredes de la habitación, que sudan por el calor de los cuerpos amontonados, y baña a todos los presentes con una mezcla de ruido y electricidad, con ondas invisibles que conectan con la audiencia que salta frenética, que mezclan las chispas que saltan de los sintetizadores y las zapatillas viejas y llenas de enchufes con los besos que se da una parejita de punks en una esquina, los choques de un borracho con los amplificadores, el headbanging de un grupo de nerds en una esquina.
Todos juntos en una hermosa comunión de circuitos, mucosa, metal, sonido, cables, sangre, semen y tecnología, hermosa tecnología.
Stephen: Consigan cosas y hagan cosas, y súbanle el volumen.
(2001)
Entre el 94 y el 2002 hubo en la escena mundial musical una banda que se animó a construirse como una especie de mecha biónico, a brillar con mas intensidad que nadie, a soñar con llevarse por delante todo: sus fans, la escena musical, sus propios teclados, las preconcepciones sobre la música, absolutamente todo a fuerza de pura innovación, movimiento y tecnología.
Una banda extraña, híbrida, nómada. Formada en Londres con miembros cuyas únicas cosas en eran su curiosidad insaciable y su fascinación por los viejos y golpeados instrumentos electrónicos. Ann Shenton es una de esas mujeres que solo de vez en cuando da la música: una experimentadora incansable, que aborrece cualquier rasgo de rutina. Yo me enamoraría completamente de ella, aunque esté un poco pasada de peso y su brazo derecho haya sido reemplazado por una prótesis robótica. Barry Smith era el Dj residente, con una predilección por destruir equipos en el escenario. Su curriculum incluye pasar música en una radio pirata de Praga llamada Radio Stalin. Steve Claydon, el elemento final, es un experto en Theremin que luego de la disolución de la banda demostró su capacidad transformer y se reconvirtió en artista plástico.
Una banda que refulgió, como las mejores leyendas, como los verdaderos salvajes que se adentran en la jungla para cercenar nuevo territorio, durante unos cuantos años, casi ignorada. Disueltos en el 2003, en medio de una orgía de chispazos y cables pelados (se supone que Ann Shenton se cansó de las giras para “Loud Like Nature” y, según quien cuenta la historia, abandonó el grupo o fue expulsada en la mitad de Norteamérica. Se quedaría a vivir en Idaho y se uniría a una banda de motociclistas).
Y ahora sus discos descansan en lugares olvidados, en servidores de Internet y depósitos polvorientos y/o humedecidos de disquerias de segunda mano, en alcantarillas y huecos. Encerrando la visión del futuro que tenia este trío de lunáticos cuidadosamente, para que las generaciones futuras los descubran y hablen de ellos al lado de cosas como Suicide o Throbbing Gristle. Pero no hace falta esperar tanto, acá hay algunos motivos para ponerse los auriculares y salir a caminar por ciudades decadentes escuchando Add N To (X)
Solía tomar heroína y cocaína para el desayuno, ahora prefiero un capitulo de un libro y un te. No soy una puritana bajo ningún concepto, solo creo que uno se cansa de la misma vieja rutina, los consumidores de drogas están asqueados por la norma pero después aceptan otra normalidad que involucra el consumo de drogas.
Ann Shenton, 2003.
Si hay algo que sorprende una vez que te has abandonado a la religión de Add N To (X) y descubierto los placeres de la comunión robótica, es su versatilidad y capacidad para el cambio. La tecnología misma requiere del cambio, de la modificación constante para mantenerse a la vanguardia, para prometernos siempre futuros más brillantes, objetos más caros y preciosos para comprar, utopías aun más perfectas. Pero también la teoría de la evolución es una especie de programa de update de la naturaleza. Mucho mas lento y complejo, pero por ello al mismo tiempo mas equilibrado y (valga la redundancia) orgánico.
Es curioso que Add N To (X) se pueda insertar en esas tradiciones orgullosas y deformarlas tan completamente, burlarse del hecho de que ya, a finales del siglo XX, la humanidad no cree ni en la perfectibilidad de la ciencia ni en la perfectibilidad de la naturaleza. Que encima parece estar en nuestra contra. Desarrollan una especie mutante del progreso, de la evolución, una versión moderna del Frankenstein de Mary Shelley (que es la primera novela que intenta mezclar los temas del progreso científico y técnico y la modificación orgánica).
Cualquiera que se tope con los experimentos entre ruidosos y minimalistas de “Vero Electronics” se sorprendería de escuchar luego “Loud Like Nature” y sus combinación de pop marcial y ruidismo melódico. Y todo en el corto periodo de 6 años, con cada disco intermedio un paso frenético pero al mismo tiempo meditado, esquizofrénico pero completamente sano, en esa evolución. En el 2002 Las Personas Encargadas De Las Etiquetas podían meter a Add N To (X) en la bolsa del “electroclash” o similar, pero el trío se reía y sabía mas. Sabía que esa imagen que el electroclash quería proyectar era puro conservadurismo, ideas decadentes de un futuro en el que los propios seres humanos se convertirían en muñecos maquillados y perfumados. Todos seremos hermosos al costo de nuestra propia humanidad y de nuestro sentido estético, parecían decir.
Ann, Steve y Barry querían algo diferente. Querían algo del pasado, claro. Nada surge por generación espontánea y obviamente que contaban con héroes, influencias, antecesores. “Vero Electronics” y “On The Wires Of Our Nerves” tienen trazos de aquellos primeros héroes de la electrónica, desde Bruce Haack hasta Wendy Carlos, pasando por Suicide, Cabaret Voltaire o Throbbing Gristle. Gente que entendía que, si el futuro era de las maquinas, lo mínimo que podíamos hacer era pervertirlas, invadirlas con nuestra carne, mezclarnos con ellas en comunión cibernética y distorsionarlas hasta que sean una réplica de nosotros, de nuestros canceres y ansiedades, de nuestras ciudades polucionadas y nuestras casas automatizadas.
Lo que ellos veían era un futuro en que las maquinas, en realidad, serían solo extensiones grotescas de nuestra carne. Lo cual los emparenta con aquel gran profeta del siglo XX: J.G. Ballard.
Y con cada disco que pasa, lo curioso de la evolución es que la carne se impone a la maquina. Contrariamente a las ideas del progreso técnico y la ciencia ficción, en las cuales los robots reemplazarían finalmente a los seres humanos. Add N To (X) parece proponer lo contrario: que los robots van a terminar pervirtiéndose y volviéndose iguales o peores que sus maestros.
El lema de los primeros discos parece ser “Repetición, Repetición, Repetición” y están construidos alrededor de sonidos extraterrestres, cacofónicos, similares a los primeros chillidos de una inteligencia artificial que nace e intenta hablar. Ya en “On The Wires Of Our Nerves” se observa la exhuberancia y la despreocupación de un niño, el correr de un pequeño muchacho robot con gorra azul y enterito, que todo lo que quiere hacer es jugar CyberBall.
“Avant Hard” es el disco extraño de la adolescencia. Una muchacha robot tan bonita, con la cobertura de metal mas brillante y límpida de todo el complejo energético, tanto que no podes evitar enamorarte. Y que también tiene un sentido del humor y es aventurera. Una canción como “Skills” con sus teclados juguetones, parece la banda de sonido para una comedia adolescente en un mundo futuro. Lo mejor de todo el asunto, sin embargo, llega cuando la muchacha descubre, finalmente, el sexo. ¿Cómo explicar sino una canción como “Metal Fingers In My Body”?. Una oda al descontrol cibernético y a la lujuria con aparatos. No es una canción que se pueda bailar, no es una canción sensual, es sencillamente la libido desencadenada, la repetición como martillo neumático del sexo, la carne como pistón. Existe un sitio de internet que ofrece videos porno llamado “Fucking Machines”. Los videos son muy particulares: mujeres siendo penetradas por máquinas: enormes consoladores, artefactos con leves movimientos generados por las propias mujeres, gigantescas máquinas penetradoras que hacen ruido similar a una cortadora de pasto. Si los miembros de Add N To (X) conocen de su existencia, seguro sonríen (y la sonrisa se tuerce en una mueca).
“Add Insult To Injury” parece ser la decadencia de los primeros años de la juventud. Promiscuidad, fiestas y momentos vagamente ominosos son los que dominan el disco. Famoso por tener el tema “Plug Me In”, un casi hit obscurecido por su video: en el se ven a dos chicas muy hermosas jugueteando con múltiples consoladores. Como dijo alguna vez Steve Claydon: “No hay nada robótico o estéril acerca de Add N To (X). La música es un monstruo de Frankenstein de componentes esquizofrénicos imitando / parodiando los rasgos mas desagradables de la naturaleza”. Mi tema favorito siempre fue “Monster Bobby”, una especie de sing along borracho entre jukeboxes fallados. Una batería casi marcial y un coro indistinto (podrían ser borrachos de bar o hinchas de fútbol) marcan el ritmo sobre el cual se recortan voces con vocoder, arengas de voces desganadas para que cantes, silbidos y palmas. ¡Para que no se acabe el ácido de batería y la fiesta siga por siempre!.
Finalmente, “Loud Like Nature” es el disco de las épocas más oscuras. Es un disco decididamente sacado, cocainómano, frenético. Un disco hasta insoportable en su arrogancia, en su confianza absoluta en ser los mejores en lo que hacen. Y lo que hacen es meter ruido.
Porque ya a esta altura los Add N To (X) parecen haber entrado en su etapa pandillera. Un montón de gamberros que no tienen nada mejor que hacer que emborracharse interminablemente, tomar todo tipo de drogas y languidecer eternamente con el seguro de desempleo pagándoles la comida. Y como todo buen disco hedonista, le encanta regodearse en su barro. Canciones como “Sheez Mine” o “Large Number” son tan límpidas y precisas en su mugre, en su glorificación del oxido que les sale por entre las juntas, que se vuelven irresistibles. Aquello descubierto en “Avant Hard” que venia desarrollándose desde aquellas precisiones neumáticas de “Metal Fingers In My Body”, se refina: la potencia y la contundencia avasalladora de Add N To (X).
Si Add N To (X) fuese un mecha, un robot gigante de anime, seguramente sería una bestia salvaje que pisaría todo Neo Tokyo persiguiendo a aquel monstruo gigante de siete ojos. Aquellos primeros ruidos espaciales que perturbaban en “Vero Electronics” ahora son magnificas baterías tocadas por soldaditos de plomo (en realidad, casi todas las baterías son grabadas de verdad, no producto de máquinas), sonidos de sintetizador que recuerdan alternativamente el llamado de apareamiento de un dinosaurio o rayos láser marcianos y voces hermosamente llamativas, estrellas de Hollywood con estabilizadores de tensión en cada pecho.
Steve: La gente tiene que estar apropiadamente enchufada. Tienen que estar listos para nosotros. Tienen que estar borrachos. Tan arriba como nosotros. No vamos a tocar para gente que solo quieren sentarse y escuchar y charlar con sus amigos.
Ann: (…) Me gusta la estética punk de ir a ver a una banda y volarme la cabeza, que es lo que yo solía hacer. Todos solíamos hacer eso.
(2001)
En el pico de sus talentos, quizás entre “Avant Hard” y “Add Insult To Injury”, Add N To (X) debe haber sido una de las mejores bandas para ver en vivo del planeta. Yo solo me imagino a ellos tres, en escenarios miserables de pubs en ciudades de mala muerte, cada uno con una pila de equipos a su lado, arriba, entre las piernas. Completamente sacados. Quizás hasta vomitando en su baterista. Y abajo, un montón de gente tan sacada como ellos, quizás vomitando en sus novias.
La gente se mueve entre los cables de los equipos y chocan contra los miembros de la banda, se chocan entre sí, se mezclan como una masa de carne. Ann, Steve y Barry tocan perillas, se dan pequeños choques eléctricos, pisan pedales como si fuesen parte de su propio cuerpo, sudan y cantan. Las ondas sónicas de los sintetizadores y el machacar maniático de las baterías rebota en las paredes de la habitación, que sudan por el calor de los cuerpos amontonados, y baña a todos los presentes con una mezcla de ruido y electricidad, con ondas invisibles que conectan con la audiencia que salta frenética, que mezclan las chispas que saltan de los sintetizadores y las zapatillas viejas y llenas de enchufes con los besos que se da una parejita de punks en una esquina, los choques de un borracho con los amplificadores, el headbanging de un grupo de nerds en una esquina.
Todos juntos en una hermosa comunión de circuitos, mucosa, metal, sonido, cables, sangre, semen y tecnología, hermosa tecnología.
En el habitáculo
x Bernardo Damián Dimanmenendez
x Bernardo Damián Dimanmenendez
En una época donde todo el mundo comenta el cierre de la trilogía que narra la asfixia existencial neo-moderna de David Lynch, con el reciente estreno de Inland Empire, hace más de 40 años Roman Polansky, inició con la realización de Repulsión, una trilogía que continuaría en “El Bebé de Rossmary” y finalmente le daría cierre con “El Inquilino”, de cómo los peores temores abismales e inimaginados que despiertan el lado más esquizoide del ser humano, suele suceder puertas adentros de los hogares que supuestamente nos dan cobijo.
Grieta Perversa
42 años atrás exactamente, cuando la modernidad transitaba sus últimos años, en el sentido de que aún eran posibles percibir historias concretas de todo tipo (artísticas, románticas, políticas, económicas, deportivas, etc), con tiempo y lugar definidos, para poder describir claramente su origen, desarrollo y final, Roman Polansky, influenciado por el auge que se daba por ese entonces de la psicología Lacaniana, y desarrollando de manera personal en el film, conceptos de este, como “El Estadio del Espejo” y el de “Bordeline”, “Repulsión” resulta ser un film de terror que no parece seguir las bases de dicho género, buscando en el drama producto del deterioro psicológico de su principal personaje Carol, (cuya interpretación a cargo de Catherine Deneuve, depositaría a esta en el estrellato de los actores), un rigor narrativo que lentamente va situando al espectador junto con su principal protagonista en un abismal caos sin retorno.
Desde el inicio y con la primera toma se intenta denotar que, el espejo de lo que ocurre dentro de la mente de Carol, son sus ojos. A través de un correcto uso del plano detalle, de esa parte del rostro, Polansky tiende invisiblemente en un lugar de supuesta corrección actitudinal, como lo es un salón de belleza, una especie de perfil esquizoide del personaje.
Así, los primeros indicios de neurosis, se van a ir observando, en el rechazo sugestivo, hacia el amante de su hermana. Detesta elementos que invaden su privacidad, como lo es el cepillo de dientes que encuentra en el baño, y una vez en soledad, y en aparente tranquilidad, observa asombrada como el reflejo de su rostro, en una pava, le da una imagen grotesca y deforme de este, como si en realidad, fuera su verdadera cara.
Partiendo de finos detalles como la grieta que se observa en el piso, cuando se encuentra sentada en un banco público, Carol, se va transformando en una especie de Norman Bates femenina.
Con respecto a esto, se puede notar, la traspolación personal que hace Polansky del concepto lacananiano denominando “Estadio del Espejo”. Básicamente esta noción psicológica puede ser entendida, en relación, a que el “yo”, se constituye en torno a un reconocimiento en torno a la imagen del otro o de su propia imagen en el espejo. Cuando el individuo no puede reconocer claramente su imagen, se produce un resquebrajamiento de su integridad psíquica, entonces, al no haber un patrón claro de identificación de su imagen, la irrupción de la neurosis, es algo corriente.
Si prestamos atención a la película, Carol su principal personaje, busca constantemente ver el reflejo de su rostro, ya sea a través de espejos u otros elementos, (excelente uso de los planos subjetivos por parte del director) y las alucinaciones que conllevan violaciones o atracos a su propio cuerpo, parten siempre desde un armario espejado, como que en las grietas y dudas de su mente, el miedo mas primal puede hacerse real (en este caso la violación). La constitución de su ser podría ser definida como ortopédica, sin posibilidad de lograr una realización concreta en el plano social de su persona.
Así, encerrada e incomunicada, y sin posibilidad alguna de encontrar un lenguaje corporal, que la deposite nuevamente en la realidad al estar su hermana de vacaciones, la paranoia de Carol cobra cada vez mayor intensidad, la cuál es mostrada metafóricamente a través de las grietas que van apareciendo en las paredes de su departamento, y la dejadez que se encuentra en el mismo, (el conejo, se sigue pudriendo lentamente).
Así el infierno dantesco se hace presente, en un ámbito doméstico y corriente, como lo es un departamento, cuando consumadas las muertes, Carol, ve como una multitud de manos que salen por las paredes quieren tomarla y aprovecharse de ella. La metáfora, que elige Polansky para esta anteúltima parte de un film (en todos los desplazamientos de Carol dentro del departamento, es de destacar, el hábil uso de la cámara en mano), no puede ser más correcta. Las manos, como sinónimo del intento de apropiación de su cuerpo, son el miedo más repulsivo, con el que el personaje podía encontrarse y que siempre rondo en su mente esquizoide, y que más allá, de cualquier previsión, (aún encontrándose en la seguridad que le otorga su vivienda, no podría evitar), o sea, el condominio como lugar de reclusión defensiva, no puede evitar ser apropiado, por el universo caótico de su mente.
En el final, y ante el asombro y perplejidad de sus vecinos, una vez que llega su hermana con el amante, y descubre su departamento convertido en un infierno atroz y desesperante, cierra de manera circular, con la mirada de Carol helada y aturdida por los acontecimientos vividos, mientras es llevada en brazos por el amante de su hermana, mientras un acertado travelling de Polansky, cierra la película (de la misma manera que comenzó), en los ojos, de una foto familiar de Carol cuando era pequeña, dando cuenta de que lamentablemente, cuando de enfermedades mentales se trata, siempre el origen o raíz, debe rastrearse desde temprano, para evitar después encontrarnos con sorpresas amargas e inesperadas, pues el aquejamiento de la misma, produce una asfixia existencial, que ningún salvavidas posterior, podrá evitar el hundimiento en tenebrosas profundidades a la persona.
El útero del complot
Más allá, de los infinitos reconocimientos y elogios que el “Bebé de Rossmary” despertaría en crítica y público con el paso de los años, (de hecho dicha película, junto con “El Exhorcista” y “La profecía”, son consideradas como la “Santísima Trinidad del cine de Terror”), el film narra como de manera entre ridícula y maquiavélica, como una joven embarazada, , es parte de un complot diabólico, transformando su embarazo, en una desolada angustia.
El film, abre con una toma panorámica de edificios clásicos situados en Nueva York, y así se pasa a una siguiente escena en la cuál se ve a un joven matrimonio norteamericano, buscando mudarse a uno de dichos edificios.
La supuesta armonía del film, empieza a romperse a partir de elementos aparentemente anecdóticos. Algo de eso se nota, cuando Rossmary (personificada por Mía Farrow), se encuentra en el lavadero, junto con una de sus vecinas, y luego de mostrarle un extraño amuleto de la suerte, se escuchan ruidos inexplicables, dando una sensación de que algo no anda del todo bien.
Hay dos escenas claves para el futuro desarrollo del filme, y ambas se realizan a través del uso de los denominados “Flashbacks”. En la primera se muestran, alucinaciones de la infancia por parte de la protagonista, y en la segunda, que es motor disparador del posterior desarrollo del film, la escena dónde Rossmary queda preñada por el diablo.
Aquí, el terror psicológico que propone Polansky, va estar situado, en una dicotomía entre oníria y cruda realidad. Por un lado el primer flashback, va a situar a Rossmary, en un lugar supuestamente apacible como lo es la infancia, sin embargo, en la escena hay una sensación de incomodidad, y en la siguiente, el aparente paraíso construido simbólicamente a través del sol, el mar azul, es roto, a partir de su representación frente a los demás, para finalmente ser lapidada del todo, al caer en las huestes de Satán.
A partir de ese momento, Polansky va construyendo la historia sin necesidad de constantes intensidades dramáticas, sino en cuotas pequeñas de sucesos, sobretodo detalles que buscan en elementos significantes que generen en el espectador, cierta extrañeza, ante el solo hecho de escuchar su mención, como lo pueden ser la leche con raíz de Tannis, y haciendo hincapié en detalles, que no adquieren una definitiva continuidad, sino por el contrario, que en restrospectiva le van a dar un sentido cabal al concepto de la película. (como ejemplo válido de esto, el espectador se da cuenta, como detalles que en un principio parecían irrelevantes, como la ceguera del actor, que le otorga el papel a su marido, o la súbita internación del amigo de Rossmary. Sin embargo, y pese a esto, en Rossmary, a diferencia del personaje interpretado por Catherine Deneuve en Repulsión, la constitución de su identidad, no es ortopédica, sino cabalmente completa. Rossmary, posee la capacidad para entablar un diálogo con cualquier tipo de persona, e incluso en medio del caótico embarazo decide realizar una fiesta con sus amigos más íntimos, de hecho, solo parece perder la cordura, en el momento en el cuál intenta ver a su particular primogénito.
El fin de todo esta odisea, increíble e inesperada, se cierra entre dosis de ironía y pleno terror, cuando la toma subjetiva del rostro de Rossmary, da cuenta de que lo que llevaba en el útero era algo más que un simple niño. Superado el asombro, Rossmary, no puede evitar caer en el lazo filial que madre e hijo, sellan indeleblemente y más allá, de que Polansky, no revele jamás el rostro del recién nacido, acrecentando el estupor y el enigma en el espectador, se dispone a mecer la cuna, como haría cualquier madre con su bebé.
La película cierra, con la misma panorámica con que comienza el film, como queriendo sintetizar de que en el lugar menos esperado, Lucifer y sus amigos, pueden aparecer sin necesidad de que el contexto sean, penumbrosos bosques o espectrales Castillos.
De hecho, en el mismo edificio dónde se realizó la película, algún tipo de karma maligno quedó, ya que el mismo año que se estrena la película (1968), el Clan Mason, masacra a la embarazada esposa de Polansky y doce años más tarde, John Lennon, sería ultimado a disparos por un neurasténico fan.
Inquilinato Kamikaze
El Inquilino cuenta, la desintegración de una persona a priori amable y de buenos modales, en una época donde los indicios de posmodernismo son más que evidentes (en el sentido de que ya no es posible rastrear claramente como años atrás, las historias de vida, de los artistas, del deporte, políticas y ecónomicas). De hecho, el personaje que interpreta el mismo Polansky (Trelkovsky), es un extranjero con ciudadanía francesa, que recorre un mundo dónde la irritación producto del desprecio ajeno, termina por llevar al personaje a una “autoinmolación”, como forma de recuperar algo del respeto perdido.
Los sucesos que ocurren en el departamento o en la rutina diaria de Trelkovsky, son irónicos y crudos a la vez. Esto lentamente lo hace caer en una situación de “border”, en dónde parecieran desaparecer los límites entre concreta realidad y alucinante paranoia.
Así, el Trelkovsky, intenta en su recorrida urbana, purgar una inquietante situación de angustia y soledad, concurriendo a la Iglesia, ayudando a amigos de la anterior inquilina o intentando entrar en el mundo social y afectivo de la mujer que conoció en su visita al hospital, aunque sin poder escapar de súbitos ataques de agarafobia o pánico.
Lentamente, se va dando cuenta de que no puede escapar de esto, y el abismo es inminente, cayendo en una despersonalización que va desde elementos de pertenencia consumista (como lo son la imposibilidad de fumar Galouises), hasta el robo a su propio apartamento, frente al cuál, solo recibe la indiferencia del dueño y el racismo cívico del jefe de policía.
Así, se siente víctima de un complot, que supone lo llevará al suicidio, tal como ocurrió con la ex inquilina. Despersonalizado, despreciado y solitario, se transvierte como intento de feminizar el dolor que sintió la anterior víctima, y lentamente al igual que paso con Carol en Repulsión, su mente parece agujerearse, (metáfora que es puesta en juego de manera excelente por el director, a través de los agujeros que Trelkosvky va observando en su departamento).
Así, Polansky utiliza una manera de acrecentar el humor negro que baña varias partes del film. En el primer intento, Trelkovsky queda maltrecho, pero no muere, sino que ante el estupor de los vecinos, decide insultarlos y de manera casi bufonesca, mientras la sangre baña completamente su rostro, decide realizar un segundo intento de suicidio, y una vez que se encuentra nuevamente frente a la ventana, salta al vacío sin escuchar ningún tipo de ruego. .
La última escena deja una incógnita en el espectador y juega a la vez con la mente de este, cuando desde un plano subjetivo de la supuesta persona enteramente vendada, se ve a nuevamente a Trelkovsky junto con la amiga de la ex inquilina: ¿Acaso fue todo un sueño o la necesidad de jugar con el morbo que una persona puede empezar a explorar a partir de ver a un cuerpo deteriorado en un hospital?.
En los tres filmes se nota claramente una traspolación de conceptos Kafkianos que dicho autor aplico a sus novelas, pero con la diferencia de que el enemigo es aún más invisible que el que se denota en novelas como “El Proceso”, ya que el verdadero motor de la crisis, se encuentra en la mente de los personajes.
Casi como una documentación de lo que 40 años después aparece como una enfermedad que parece convertirse en pandémica, como lo es el denominado “Ataque de Pánico”, producto de la perdida de sociabilidad que antes entrañaba el vecindario o mismo barrio, y que hoy castigados, por la desmedida violencia, las drogas e inseguridad, hacen recluir a sus habitantes puertas adentros, y ni siquiera así estos, tener la seguridad de que la paz va atravesar sus mentes y cuerpos, porque puertas adentros, como todos sabemos, cada casa es un mundo propio, y todo tipo de cosas inesperadas pueden llegar a suceder.
Grieta Perversa
42 años atrás exactamente, cuando la modernidad transitaba sus últimos años, en el sentido de que aún eran posibles percibir historias concretas de todo tipo (artísticas, románticas, políticas, económicas, deportivas, etc), con tiempo y lugar definidos, para poder describir claramente su origen, desarrollo y final, Roman Polansky, influenciado por el auge que se daba por ese entonces de la psicología Lacaniana, y desarrollando de manera personal en el film, conceptos de este, como “El Estadio del Espejo” y el de “Bordeline”, “Repulsión” resulta ser un film de terror que no parece seguir las bases de dicho género, buscando en el drama producto del deterioro psicológico de su principal personaje Carol, (cuya interpretación a cargo de Catherine Deneuve, depositaría a esta en el estrellato de los actores), un rigor narrativo que lentamente va situando al espectador junto con su principal protagonista en un abismal caos sin retorno.
Desde el inicio y con la primera toma se intenta denotar que, el espejo de lo que ocurre dentro de la mente de Carol, son sus ojos. A través de un correcto uso del plano detalle, de esa parte del rostro, Polansky tiende invisiblemente en un lugar de supuesta corrección actitudinal, como lo es un salón de belleza, una especie de perfil esquizoide del personaje.
Así, los primeros indicios de neurosis, se van a ir observando, en el rechazo sugestivo, hacia el amante de su hermana. Detesta elementos que invaden su privacidad, como lo es el cepillo de dientes que encuentra en el baño, y una vez en soledad, y en aparente tranquilidad, observa asombrada como el reflejo de su rostro, en una pava, le da una imagen grotesca y deforme de este, como si en realidad, fuera su verdadera cara.
Partiendo de finos detalles como la grieta que se observa en el piso, cuando se encuentra sentada en un banco público, Carol, se va transformando en una especie de Norman Bates femenina.
Con respecto a esto, se puede notar, la traspolación personal que hace Polansky del concepto lacananiano denominando “Estadio del Espejo”. Básicamente esta noción psicológica puede ser entendida, en relación, a que el “yo”, se constituye en torno a un reconocimiento en torno a la imagen del otro o de su propia imagen en el espejo. Cuando el individuo no puede reconocer claramente su imagen, se produce un resquebrajamiento de su integridad psíquica, entonces, al no haber un patrón claro de identificación de su imagen, la irrupción de la neurosis, es algo corriente.
Si prestamos atención a la película, Carol su principal personaje, busca constantemente ver el reflejo de su rostro, ya sea a través de espejos u otros elementos, (excelente uso de los planos subjetivos por parte del director) y las alucinaciones que conllevan violaciones o atracos a su propio cuerpo, parten siempre desde un armario espejado, como que en las grietas y dudas de su mente, el miedo mas primal puede hacerse real (en este caso la violación). La constitución de su ser podría ser definida como ortopédica, sin posibilidad de lograr una realización concreta en el plano social de su persona.
Así, encerrada e incomunicada, y sin posibilidad alguna de encontrar un lenguaje corporal, que la deposite nuevamente en la realidad al estar su hermana de vacaciones, la paranoia de Carol cobra cada vez mayor intensidad, la cuál es mostrada metafóricamente a través de las grietas que van apareciendo en las paredes de su departamento, y la dejadez que se encuentra en el mismo, (el conejo, se sigue pudriendo lentamente).
Así el infierno dantesco se hace presente, en un ámbito doméstico y corriente, como lo es un departamento, cuando consumadas las muertes, Carol, ve como una multitud de manos que salen por las paredes quieren tomarla y aprovecharse de ella. La metáfora, que elige Polansky para esta anteúltima parte de un film (en todos los desplazamientos de Carol dentro del departamento, es de destacar, el hábil uso de la cámara en mano), no puede ser más correcta. Las manos, como sinónimo del intento de apropiación de su cuerpo, son el miedo más repulsivo, con el que el personaje podía encontrarse y que siempre rondo en su mente esquizoide, y que más allá, de cualquier previsión, (aún encontrándose en la seguridad que le otorga su vivienda, no podría evitar), o sea, el condominio como lugar de reclusión defensiva, no puede evitar ser apropiado, por el universo caótico de su mente.
En el final, y ante el asombro y perplejidad de sus vecinos, una vez que llega su hermana con el amante, y descubre su departamento convertido en un infierno atroz y desesperante, cierra de manera circular, con la mirada de Carol helada y aturdida por los acontecimientos vividos, mientras es llevada en brazos por el amante de su hermana, mientras un acertado travelling de Polansky, cierra la película (de la misma manera que comenzó), en los ojos, de una foto familiar de Carol cuando era pequeña, dando cuenta de que lamentablemente, cuando de enfermedades mentales se trata, siempre el origen o raíz, debe rastrearse desde temprano, para evitar después encontrarnos con sorpresas amargas e inesperadas, pues el aquejamiento de la misma, produce una asfixia existencial, que ningún salvavidas posterior, podrá evitar el hundimiento en tenebrosas profundidades a la persona.
El útero del complot
Más allá, de los infinitos reconocimientos y elogios que el “Bebé de Rossmary” despertaría en crítica y público con el paso de los años, (de hecho dicha película, junto con “El Exhorcista” y “La profecía”, son consideradas como la “Santísima Trinidad del cine de Terror”), el film narra como de manera entre ridícula y maquiavélica, como una joven embarazada, , es parte de un complot diabólico, transformando su embarazo, en una desolada angustia.
El film, abre con una toma panorámica de edificios clásicos situados en Nueva York, y así se pasa a una siguiente escena en la cuál se ve a un joven matrimonio norteamericano, buscando mudarse a uno de dichos edificios.
La supuesta armonía del film, empieza a romperse a partir de elementos aparentemente anecdóticos. Algo de eso se nota, cuando Rossmary (personificada por Mía Farrow), se encuentra en el lavadero, junto con una de sus vecinas, y luego de mostrarle un extraño amuleto de la suerte, se escuchan ruidos inexplicables, dando una sensación de que algo no anda del todo bien.
Hay dos escenas claves para el futuro desarrollo del filme, y ambas se realizan a través del uso de los denominados “Flashbacks”. En la primera se muestran, alucinaciones de la infancia por parte de la protagonista, y en la segunda, que es motor disparador del posterior desarrollo del film, la escena dónde Rossmary queda preñada por el diablo.
Aquí, el terror psicológico que propone Polansky, va estar situado, en una dicotomía entre oníria y cruda realidad. Por un lado el primer flashback, va a situar a Rossmary, en un lugar supuestamente apacible como lo es la infancia, sin embargo, en la escena hay una sensación de incomodidad, y en la siguiente, el aparente paraíso construido simbólicamente a través del sol, el mar azul, es roto, a partir de su representación frente a los demás, para finalmente ser lapidada del todo, al caer en las huestes de Satán.
A partir de ese momento, Polansky va construyendo la historia sin necesidad de constantes intensidades dramáticas, sino en cuotas pequeñas de sucesos, sobretodo detalles que buscan en elementos significantes que generen en el espectador, cierta extrañeza, ante el solo hecho de escuchar su mención, como lo pueden ser la leche con raíz de Tannis, y haciendo hincapié en detalles, que no adquieren una definitiva continuidad, sino por el contrario, que en restrospectiva le van a dar un sentido cabal al concepto de la película. (como ejemplo válido de esto, el espectador se da cuenta, como detalles que en un principio parecían irrelevantes, como la ceguera del actor, que le otorga el papel a su marido, o la súbita internación del amigo de Rossmary. Sin embargo, y pese a esto, en Rossmary, a diferencia del personaje interpretado por Catherine Deneuve en Repulsión, la constitución de su identidad, no es ortopédica, sino cabalmente completa. Rossmary, posee la capacidad para entablar un diálogo con cualquier tipo de persona, e incluso en medio del caótico embarazo decide realizar una fiesta con sus amigos más íntimos, de hecho, solo parece perder la cordura, en el momento en el cuál intenta ver a su particular primogénito.
El fin de todo esta odisea, increíble e inesperada, se cierra entre dosis de ironía y pleno terror, cuando la toma subjetiva del rostro de Rossmary, da cuenta de que lo que llevaba en el útero era algo más que un simple niño. Superado el asombro, Rossmary, no puede evitar caer en el lazo filial que madre e hijo, sellan indeleblemente y más allá, de que Polansky, no revele jamás el rostro del recién nacido, acrecentando el estupor y el enigma en el espectador, se dispone a mecer la cuna, como haría cualquier madre con su bebé.
La película cierra, con la misma panorámica con que comienza el film, como queriendo sintetizar de que en el lugar menos esperado, Lucifer y sus amigos, pueden aparecer sin necesidad de que el contexto sean, penumbrosos bosques o espectrales Castillos.
De hecho, en el mismo edificio dónde se realizó la película, algún tipo de karma maligno quedó, ya que el mismo año que se estrena la película (1968), el Clan Mason, masacra a la embarazada esposa de Polansky y doce años más tarde, John Lennon, sería ultimado a disparos por un neurasténico fan.
Inquilinato Kamikaze
El Inquilino cuenta, la desintegración de una persona a priori amable y de buenos modales, en una época donde los indicios de posmodernismo son más que evidentes (en el sentido de que ya no es posible rastrear claramente como años atrás, las historias de vida, de los artistas, del deporte, políticas y ecónomicas). De hecho, el personaje que interpreta el mismo Polansky (Trelkovsky), es un extranjero con ciudadanía francesa, que recorre un mundo dónde la irritación producto del desprecio ajeno, termina por llevar al personaje a una “autoinmolación”, como forma de recuperar algo del respeto perdido.
Los sucesos que ocurren en el departamento o en la rutina diaria de Trelkovsky, son irónicos y crudos a la vez. Esto lentamente lo hace caer en una situación de “border”, en dónde parecieran desaparecer los límites entre concreta realidad y alucinante paranoia.
Así, el Trelkovsky, intenta en su recorrida urbana, purgar una inquietante situación de angustia y soledad, concurriendo a la Iglesia, ayudando a amigos de la anterior inquilina o intentando entrar en el mundo social y afectivo de la mujer que conoció en su visita al hospital, aunque sin poder escapar de súbitos ataques de agarafobia o pánico.
Lentamente, se va dando cuenta de que no puede escapar de esto, y el abismo es inminente, cayendo en una despersonalización que va desde elementos de pertenencia consumista (como lo son la imposibilidad de fumar Galouises), hasta el robo a su propio apartamento, frente al cuál, solo recibe la indiferencia del dueño y el racismo cívico del jefe de policía.
Así, se siente víctima de un complot, que supone lo llevará al suicidio, tal como ocurrió con la ex inquilina. Despersonalizado, despreciado y solitario, se transvierte como intento de feminizar el dolor que sintió la anterior víctima, y lentamente al igual que paso con Carol en Repulsión, su mente parece agujerearse, (metáfora que es puesta en juego de manera excelente por el director, a través de los agujeros que Trelkosvky va observando en su departamento).
Así, Polansky utiliza una manera de acrecentar el humor negro que baña varias partes del film. En el primer intento, Trelkovsky queda maltrecho, pero no muere, sino que ante el estupor de los vecinos, decide insultarlos y de manera casi bufonesca, mientras la sangre baña completamente su rostro, decide realizar un segundo intento de suicidio, y una vez que se encuentra nuevamente frente a la ventana, salta al vacío sin escuchar ningún tipo de ruego. .
La última escena deja una incógnita en el espectador y juega a la vez con la mente de este, cuando desde un plano subjetivo de la supuesta persona enteramente vendada, se ve a nuevamente a Trelkovsky junto con la amiga de la ex inquilina: ¿Acaso fue todo un sueño o la necesidad de jugar con el morbo que una persona puede empezar a explorar a partir de ver a un cuerpo deteriorado en un hospital?.
En los tres filmes se nota claramente una traspolación de conceptos Kafkianos que dicho autor aplico a sus novelas, pero con la diferencia de que el enemigo es aún más invisible que el que se denota en novelas como “El Proceso”, ya que el verdadero motor de la crisis, se encuentra en la mente de los personajes.
Casi como una documentación de lo que 40 años después aparece como una enfermedad que parece convertirse en pandémica, como lo es el denominado “Ataque de Pánico”, producto de la perdida de sociabilidad que antes entrañaba el vecindario o mismo barrio, y que hoy castigados, por la desmedida violencia, las drogas e inseguridad, hacen recluir a sus habitantes puertas adentros, y ni siquiera así estos, tener la seguridad de que la paz va atravesar sus mentes y cuerpos, porque puertas adentros, como todos sabemos, cada casa es un mundo propio, y todo tipo de cosas inesperadas pueden llegar a suceder.
Interview with Felicia Atkinson
x Julio Avantt!
x Julio Avantt!
Where are you from?
I was born in paris and grown up it the north of the town, and sylvain in the south of france, in the woods.
we met five years ago in toulouse (south of france) and now we are living in Paris near the cemitarary le pere lachaise
What do you sound like?
An early morning walk in the woods?
How would you define your band?
I like to create a fictive land where ghosts and liquid sounds meet
Where does your name come from?
From an english grand grandfather (atkinson) and from the brain of my parents (felicia)
When did the band start?
We decided to travel together in fall 2004 from to washington dc to quebec city with the canadian band below the sea, and for this occasion i wrote "roman anglais" and sylvain found the music to play with it. it came from an improv we did one afternoon.
Who are the band members?
it's me (felicia atkinson) and sylvain chauveau (guitar)
What are your influences?
Music: low, palace, smog, cat power, sonic youth, yo la tengo, gustave fauré, morton feldman, arvo part...
Extra-musical influences?
Movies: l avventura, l eclisse, persona, mystery train...
Beverages: tea, wine, whysky
Places: paris, chicago, montreal, providence, middlesex, aberdeen...
Books; mallarme, ee cummings, jacques roubaud, olivier cadiot, sylvia plath , marina tsvetaieva...
What are your gigs like?
A dreamy moment : words , images, appears softly, in the middle of the sounds, with just a few lights
Have you released any record/EP?
Our first album " roman anglais" will be out on o'rosa soon
sylvain solo's records are on the label type and fat cat
i have to other projects stretchandrelax where i play with objects ( on nowaki, rainmusic, and mandorla), and louisville (firts album out in march on " de bruits et de silences")
How did the recording sessions go?
We recorded a part of "roman anglais "in montreal, and the other part in paris. each time at a friend's place.
I like to record in places i feel safe and warm .
What methods do you use to get people to listen to your music?
It's good if people fall asleep when they listen to it, it means that they get drowned into!
What are your plans for the near future?
Tour more, record a new lp, maybe in chicago
Who would you like to work with? (musician, film-maker, designer, etcetera)
hit the road with jim jarmush
have a catch fight with cameron jamie
make an opera with low
sing in a david lynch movie
make a song with jim o 'rourke
eat a dinner with jim harrison
have a talk with percival everett get drunk with chuck klosterman
cry with cat power
play with dust with koo jeong a
ask for a polaroid by luc thuymans
...
How's the scene in your city?
it could be better. a lot of places or closing. not enough places for experimental music. but they are some very good people who do a good work.
How do you feel about the music scene in your country related to the media?
i don 't really care. i dont specially want to represent my country.
Name 5 bands you love and no one seems to have ever heard of:
1 ensemble zero
2 portrait of david
3 cosmos (ami yoshida with sashiko m)
4 town and country
5 daisuke miyatani
www.myspace.com/atkinsonchauveau
www.myspace.com/lowfifelicia
www.myspace.com/theprofileofthepieceisthepieceitself
I was born in paris and grown up it the north of the town, and sylvain in the south of france, in the woods.
we met five years ago in toulouse (south of france) and now we are living in Paris near the cemitarary le pere lachaise
What do you sound like?
An early morning walk in the woods?
How would you define your band?
I like to create a fictive land where ghosts and liquid sounds meet
Where does your name come from?
From an english grand grandfather (atkinson) and from the brain of my parents (felicia)
When did the band start?
We decided to travel together in fall 2004 from to washington dc to quebec city with the canadian band below the sea, and for this occasion i wrote "roman anglais" and sylvain found the music to play with it. it came from an improv we did one afternoon.
Who are the band members?
it's me (felicia atkinson) and sylvain chauveau (guitar)
What are your influences?
Music: low, palace, smog, cat power, sonic youth, yo la tengo, gustave fauré, morton feldman, arvo part...
Extra-musical influences?
Movies: l avventura, l eclisse, persona, mystery train...
Beverages: tea, wine, whysky
Places: paris, chicago, montreal, providence, middlesex, aberdeen...
Books; mallarme, ee cummings, jacques roubaud, olivier cadiot, sylvia plath , marina tsvetaieva...
What are your gigs like?
A dreamy moment : words , images, appears softly, in the middle of the sounds, with just a few lights
Have you released any record/EP?
Our first album " roman anglais" will be out on o'rosa soon
sylvain solo's records are on the label type and fat cat
i have to other projects stretchandrelax where i play with objects ( on nowaki, rainmusic, and mandorla), and louisville (firts album out in march on " de bruits et de silences")
How did the recording sessions go?
We recorded a part of "roman anglais "in montreal, and the other part in paris. each time at a friend's place.
I like to record in places i feel safe and warm .
What methods do you use to get people to listen to your music?
It's good if people fall asleep when they listen to it, it means that they get drowned into!
What are your plans for the near future?
Tour more, record a new lp, maybe in chicago
Who would you like to work with? (musician, film-maker, designer, etcetera)
hit the road with jim jarmush
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make an opera with low
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eat a dinner with jim harrison
have a talk with percival everett get drunk with chuck klosterman
cry with cat power
play with dust with koo jeong a
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How's the scene in your city?
it could be better. a lot of places or closing. not enough places for experimental music. but they are some very good people who do a good work.
How do you feel about the music scene in your country related to the media?
i don 't really care. i dont specially want to represent my country.
Name 5 bands you love and no one seems to have ever heard of:
1 ensemble zero
2 portrait of david
3 cosmos (ami yoshida with sashiko m)
4 town and country
5 daisuke miyatani
www.myspace.com/atkinsonchauveau
www.myspace.com/lowfifelicia
www.myspace.com/theprofileofthepieceisthepieceitself
Wicked Avantt Split Magazine
SUMARIO
Avantt: Entrevistas a Javiera Mena, Vampire Weekend, Electron. Además Bruce Campbell, Hate, The Times, Sonni, Mama Soy Flogger...
Wicked: Fauna, Daniel Melero, Leonora Balcarce, Sergio de Loof, Nadine Zlotogora, Renaud Montfourny, Brian Storming, Dani Dan, Murias, Max Gomez Canle...